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Cultural ( La provincia)-20/05/1993

ARTE

TARAGUA (Casas de Colores)

CLARA MUÑOZ

Domingo Díaz se aproxima en esta ocasión a la temática del paisaje con una escultura para exterior titulada Taragua. Aunque con esta pieza ha querido reflejar el movimiento ondulante del agua dando lugar, así, a una interpretación en clave naturalista; la obra posee como contrapunto una formalización abstracta. Su interés justamente radica en el hecho de que Díaz ha conseguido convertir el agua en un símbolo, actualizándolo como tal y liberándolo de toda lectura romántica, tanto en su formulación como en su constitución. Taragua hay que incluirla en la serie simbólica que ha ido desarrollando en estos últimos años y de la que también forma parte otra obra suya titulada Zero.

 

De nuevo Días vuelve a reflexionar sobre las formas, el espacio y los signos, utilizando la racionalidad para crear una escultura compuesta por dos pieza separadas, casi simétricas, que generan un dialogo intenso entre sí. El espacio que queda entre ambos es el agua, de modo que la figura es aquí el fondo, en una transposición de papeles que permite la vinculación del entorno a la obra. En este caso se ha realizado el acompañamiento mientras la melodía interpreta el espacio arquitectónico, la gente en movimiento; la ciudad. También ella como el agua, tiene su propio movimiento cíclico y aunque la gente,  los edificios, las calles sean otras, la ciudad sigue existiendo; como el fluir de los ríos que nunca llevan la misma agua siendo su nacimiento la consecuencia lógica de su propia muerte.

Esta es, por tanto, una obra pensada para estar en el exterior, en zonas urbanas y no tendría sentido si no fuera así. No es una escultura decorativa en absoluto, aunque sea por si bella, ya que no esta pensada para decorar, sino para mostrar y demostrar que somos partes de una naturaleza de leyes severas y cíclicas. Naturaleza significa nacimiento, comienzo, fuente….pero también muerte y final.

En taragua especula sobre las formas puras utilizando para ello principios similares a los defendidos por los minimalistas en un momento como son: reduccionismo de la forma a estados mínimos de complejidad y economía de medios.

 

A este creador le gusta situar su discurso plástico  en los espacios fronterizos entre las distintas disciplinas artísticas. Recordemos las paredes de la Sala de San Antonio Abad en la excelente exposición que tenía por título “otros límites” donde algunas de sus piezas se aproximaban a postulados arquitectónicos, mientras otras en cambio, se vinculaban al dibujo geométrico utilizando varas de hierro como trazos de un tiralíneas.

 

.En el caso que nos ocupa, se acerca a la pintura; para  ello, niega la tercera dimensión, tan inherente a la propia escultura, de manera que no podríamos  asegurar estar ante una pieza esculpida si no fuera por la importancia de las sombras que proyecta y del trasdós de la obra. Sin embargo, la línea inclinada de un centímetro  que configura el perfil de la pieza tiene también un carácter escultórico de corte minimalista y a mi juicio, de gran interés para el objeto.

Dos colores: el rojo y el negro se alternan en las distintas cara de la pieza, profundizando aun más en este carácter pictórico . EL rojo, como color de la tierra, mientras el negro, acentúa su cometido como fondo callado para un entorno en continuo fluir. Lo que realmente remarca esta obra es su falsa perspectiva no es solo el agua como metáfora de la vida, sino también es la luz, es el aire, es el cielo y todo lo que se pueda ver y sentir a través de ella.

[:en]TARAGUA (COLOURED HOUSES)

CLARA MUÑOZ

CULTURAL. La Provincia – 20/05/1993

This time, Domingo Díaz is getting closer to landscape subject with an exterior sculpture called “Taragua”. Although he wanted to reflect the undulating movement of water, giving rise to a naturalistic interpretation; the work owns an abstract formalization as a counterpoint. Its interest just lies in the fact that Díaz has achieved to become water in a sign, updating it in itself and making it free from every single romantic reading, in its formulation and its constitution. “Taragua” has to be included in a symbolic series that he has been developing in recent years. Another work called “Zero” is also part of this series.

Díaz reflects again on shapes, spaces and signs, using the irrationality to create a sculpture made by two separated pieces, almost symmetrical, which generates an intense dialogue between them. The space between them is the water, so the shape is the bottom here, in a transposition of roles that allows links in the environment of the work. This time, the accompaniment has been realised meanwhile the melody performs the architectonic space; the people moving; the city. The melody, like water, has her own cycling movement, too; and even if people, buildings or streets are not the same, the city still exists. Like the flow of a river that never has the same water, being born is the logical consequence of its own death.

This is, therefore, a work designed to be outside in urban zones, it would make no sense anywhere else. It is not a decorative sculpture at all, although it’s beautiful per se, because it hasn’t been done to decorate, but to show and demonstrate that we are part of a Nature made of strict and cyclical laws. Nature means born, beginning, spring… but death and ending, too.

In Taragua, he speculates about pure shapes by using similar principles to those defended in a moment by minimalist, such as: reductionism of shape to minimal states of complexity and economy of resources.

This creator likes placing his plastic speech in border spaces between different artistic disciplines. We have to remember the walls in the room San Antonio Abad in the excellent exhibition called: “Other Limits” where some of his pieces came close to architectonic postulate, whereas other, linked them to the geometric picture by using iron sticks as strokes of a drawing.

In this case he comes closer to painting by refusing the third dimension, inherent in the sculpture. So we could assure that it’s a sculpture due to the importance of casted shadows and the extrados of the work. However, the sloping line of a centimeter that configures the shape of the work has also a sculptural character, with minimalistic nature and, to me, with a big interest to the object.

Two colors: black and red alternate in the different faces of the work, going further into this pictorial character. The red, as the color of the earth; whereas the black, emphasizes its task as a quiet background of an environment that is always flowing.

What really remarks this work is its false perspective. Not only water as a metaphor of living, but also the light, the air, the sky and everything that can be seen and felt across her.

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